La primera guerra mundial marco la victoria de la máquina sobre el ser humano. Cuando la guerra terminó, las personas querían parecerse más a las máquinas. En la era de las máquinas, no era el arte de la fotografía sino que se consideraba un proceso mecánico que producía verdades objetivas. Se convirtió también en un medio de propaganda muy importante, se aprovechaba las nuevas técnicas y máquinas para desvelar el futuro. Sin embargo, cuando todas las esperanzas se dieron de frente con la realidad política de la época, los fotógrafos se dieron cuenta del coste humano de las utopías que se proponían. Solo inspirándose en su pasado fue capaz la fotografía de encaminarse hacia el futuro, ya no sería una herramienta que acercaba el hombre a las máquinas, sino un medio de comunicación que durante unos años muy convulsos documento como era la raza humana.
Significado de la fotografía
En los años 20, tener una cámara de fotografía equivalía a tener el futuro, se decía que la cámara nos ofrecía una nueva visión de las cosas, “los que sean incapaces de comprender la fotografía serán los analfabetos del futuro”, era el instrumento principal de esa época.
Karl Blossfeldt
Fue la década donde más se debatió sobre las funciones de la fotografía. En Alemania, un país que luchaba contra el caos, la fotografía ofreció racionalidad y orden. Karl Blossfeldt en su libro “formas artísticas en la naturaleza” (1928) mostraba los detalles de la precisión ingeniera con la que funciona el mundo vegetal, colocaba unas al lado de otras para ver las diferencias entre unas hojas y otras, interés enciclopédico. Su capacidad para captar de forma precisa a personas y objetos fue uno de las principales bazas de la fotografía, la primera clasificación científica “catálogo de algas” apareció 4 años después, y una década después se documentaba otros tipos de vida. Los distintos tipos de fotografía aún se están clasificando aunque los métodos han avanzado.
Donovan Wylie
El fotógrafo Donovan Wylie decía “para conocer bien una cosa necesitamos compararla con otra”, con la misma luz, mismo encuadre, mismo punto de vista…, todo tiene que ser preciso. Las tipologías han dotado de disciplina la fotografía, rebelde por naturaleza, para crear documentos objetivos.
August Sander
Una de la tipología más interesante, es la tipología humana que creo el alemán August Sander en los años 20. En 1929 se hizo un lugar entre los modernistas al publicar una selección de sus retratos “el rostro del tiempo”. Entonces se convierte en un coleccionista, encuadraba a la gente en su cámara, todos con el mismo espacio en el encuadre, clasificando a los fotografiados en 7 categorías. Todas sus fotografías estaban plagadas de insinuaciones, pero no tenemos ni idea de que están pensando en realidad. Los mejores trabajos de Sander trasmiten la sensación de que hay un universo que no puede expresarse, pero el mensaje tacito que encierran las fotografías de Sander es que en los años 20, Alemania estaba sumida en el caos, y todos los modelos de Sander vivirían las consecuencias de ese caos.
Alexander Rodchenko
En la Unión Soviética la realidad era distinta, la revolución dio paso a una nueva sociedad, para Alexander Rodchenko ahora tenías la oportunidad de integrarte en ella, se interesó por la fotografía. Ese arte moderno, objetivo y aparentemente libre de la subjetividad burguesa demostraba que los artistas podían tener una función en la dictadura del proletariado. Llegó a la conclusión que la cámara era la herramienta del hombre nuevo, se quería convertir en un artista nuevo al servicio del pueblo. Sin embargo, no estaba contento con el enfoque tradicional de la fotografía, quería una visión nueva, por suerte la industria había avanzado y tenía a su disposición cámaras de fotografía compactas y ligeras como la legendaria cámara Leica, dejaron de estar atados al trípode y podían fotografiar en cualquier dirección.
Su estilo de fotografía radical se mezclaba con lo último en gráficos en una revista llamada “La URSS en construcción”, era un compendio de propaganda política y artículos que ensalzaban los logros del sistema soviético. La revista está llena de ejemplos del dominio que tenía Rodchenko del fotomontaje, técnica gráfica que siguió el ejemplo del montaje cinematográfico. Trataba las fotografías como imágenes sin montar de un rodaje: corta, pega y rehace para crear vertiginosas visiones de futuro, pone de manifiesto, que las fotografías son documentos silenciosos, cuyo significado puede malearse. La fotografía puede ponerse al servicio de cualquier idea o ideología política, su valor como documento funcional, suele aprovecharse de uno u otro modo. Rodchenko lo sabía todo sobre la ambigüedad, sobre lo que capta la cámara.
Eugéne Atget
Eugéne Atget, fotógrafo que llevaba 30 años recopilando imágenes de los barrios más viejos de París antes de que los re-urbanizarán y desaparecieran para siempre, en los años 20 había reunido una colección única con más de 10.000 imágenes del viejo París. Nació en el S.XIX, así que su cámara y técnicas estaban anticuadas en los años 20. Aun así, era un fotógrafo comercial, los documentos de Atget cobraron una gran importancia, “era un creador de documentos”, “el Mozart de la fotografía”. Al final de su carrera se dedicó a las posibilidades no documentales de la fotografía, en ese momento se convierte en un poeta, se dedica a plasmar cosas que se alejan de la fotografía documental. Siguen siendo documentos pero de una realidad muy distinta.
Man Ray
Mientras Atget exploraba con cautela los límites entre una realidad y otra, Man Ray se estaba adentrando en el terreno de lo irreal, para Man Ray una cámara de fotos era un instrumento para estudiar los sueños, los deseos y el subconsciente. Descubrió nuevas formas de fotografía que a nadie se le habían ocurrido, sintonizaban con el dadaísmo y el surrealismo, esparcía sobre el papel fotográfico objetos interesantes, después encendía la luz un instante para que se imprimiesen los objetos y las revelaba, no utilizaba la cámara. Descubrió el proceso de la solarización de forma casual a finales de los años 20, la cara de la gente parecía de aluminio, brillantes y metálicas. Su obra magna “gran vidrio”, mezcla entre obra de arte y documento.
En 1926, Atget (creador de documentos) y Man Ray (surrealista) se conocieron, lo que significo un encuentro entre la fotografía del pasado y del presente. A los surrealistas les interesaba la idea de los objetos encontrados, algo que te encuentras por ahí, da lo mismo que sea misterioso o cotidiano, si lo sacas de contexto tendrá apariencia extraña y podrá perturbar tu estado mental o físico, y te proyectará a otro estado de conciencia o entendimiento. El propio Atget era en sí mismo, un objeto encontrado vivo, Atget era capaz de encontrar una gran cantidad de detalles que esconde el mundo. Al poco tiempo de ser descubierto murió, pero su obra ya estaba en manos de los vanguardistas europeos, en 1929 se expuso junto a fotografías de Man Ray y otros fotógrafos en una importante muestra de cine y fotografía que se celebró en Stuttgart, “Film and photo”.
La acción estaba en Alemania y Rusia fotográficamente hablando, pero dio un giro siniestro con el terror de Stalin. Se creó una legión de malditos, la propaganda tenía que actualizarse día tras día. El mismo Rodchenko se vio obligado a alterar libros que el mismo había creado.
En Alemania, August Sander se ganó la antipatía de aquellos que estaban planeando conseguir una raza superior. Para los nazis las tipologías fotográficas servían para catalogar las distintas razas, y Sander las retrataba a todas por igual, los nazis prohibieron los libros de Sander. Sander, sin embargo, si tuvo hueco para los nazis, les hizo las mismas fotos que les hacía a los demás.
Walker Evans
En los años 30, EE.UU vivía una gran crisis, Walker Evans utilizaría la cámara para contarlo. Finge que solo te muestra la realidad tal y como es, pero al elegir esa realidad influye en tu forma de ver el mundo, fue una voz disidente. Era fiel al cruel resplandor de la realidad, la sencillez de sus fotografías es engañosa, diciendo muy poco obliga al sospechoso a decir tanto que acaba desmoronándose. Marchó a París donde adquirió las tendencias de la fotografía vanguardista, pero logro plasmar su propia personalidad gracias a Atget, cuando Evans vio su obra empezó a trabajar con una cámara anticuada como la de Atget, con ella iba más despacio pero le obligó a mirar las cosas más detenidamente.
En 1935, Evans y otros fotógrafos recibieron el encargo de buscar imágenes para hacer propaganda, las necesitaba la agencia de seguridad para agricultura, organismo creado para paliar los efectos de la depresión rural que vivía EE.UU, el objetivo era dar una imagen positiva. Una de las imágenes clásicas de Evans muestra el abismo que lo separaba de los demás fotógrafos que participaron, el rostro de la mujer de un granjero arrendatario de Alabama en 1936, cuyo rostro esta tan curtido como la madera. Era la realidad pura y directa.
La idea que tenía Evans de la fotografía documental era compleja, la idea simple era que la fotografía documental mostraba la verdad, y sin embargo, él quería que se supiera que su estilo documental solo era verdad en apariencia, que no era objetivo. No plasmaba lo que tenía delante sin más, sino que recolocaba las cosas para minimizar la miseria, y elevaba los objetos más sencillos a la condición de iconos de la vida doméstica, a medida que iba trabajando sus fotografías pasaron la frontera que separa el documental del arte. A pesar de que Evans moldeaba la realidad para adaptarla a su visión personal, no era capaz de ajustarla a la visión propagandística que le había encargado el gobierno, en 1937 le despidieron.
Bill Brandt
La esperanza de los años 20 había dado paso a la falsedad de los años 30, después llego la guerra, y cuando las máquinas de matar regresaron a casa hubo un fotógrafo que documento como afecta al vulnerable ser humano esa tierra de nadie, que es la verdad ambigua y la realidad ilusoria. Bill Brandt unió la observación con el artificio más descarado, se hizo un nombre haciendo fotografías documentales para revistas, Bill Brandt pedía a la gente que participara en una puesta en escena con propósitos informativos, es el inventor del estilo que está a medio camino entre la realidad y la ficción. Bill Brandt ve esta nueva dislocación social en términos surrealistas.
Fotografía contemporánea
En una era de máquinas y de ideologías propias de las máquinas, la fotografía encuentra su propio camino hacia el futuro volviendo la mirada a su pasado, al S.XIX, al preservar lo humano en un tiempo de inhumanidad, la fotografía planteó que era un medio de comunicación humano, más que mecánico, planteamiento que se demostró claramente en los años inmediatamente posteriores.
